Ródchenko: la construcción del futuro

El cuirassat Potemkin, 1925

Este mes presentamos a un mARTista, que si bien puede no ser del todo familiar para el público occidental, su arte representa uno de los más multifacéticos y complejos de las vanguardias del siglo XX. Una estética que sin duda alguna deja ecos en múltiples manifestaciones artísticas de la actualidad, desde propaganda, diseño gráfico y textil, fotografía y tipografía. Presentamos a Aleksandr Ródchenko (1891-1956), uno de los pioneros más emblemáticos de la famosa vanguardia constructivista que se manifestó en la Rusia post-revolucionaria de la segunda década del siglo anterior. El arte de Ródchenko se basa en la creación de un lenguaje visual al servicio de la sociedad, una estética que renuncia al “arte puro”, un arte sin objeto.

Composición sin objeto n. 68 (Naturaleza muerta) 1918

Entre sus principales influencias se aprecian artistas renombrados tal como Kandinsky o sus compatriotas y contemporáneos Liubov Popova y Kasimir Málevich, siempre siguiendo esa línea abstracta y geométrica sobre la cual se irá definiendo su estilo constructivista tan característico consolidándose como uno de los eminentes representantes de la cultura soviética. Inspirado, pues, por el suprematismo, el futurismo, el cubismo, el expresionismo abstracto y la cultura del material, Ródchenko comienza a confirmarse como uno de los protagonistas del arte de izquierdas en Rusia que se posicionó contra cualquier tipo de academicismo. En sus obras anteriores a 1919, no obstante la influencia suprematista, se encuentran muchos elementos que están en contradicción con el estilo de Málevich, como por ejemplo, las superficies planas en las que se mantienen suspendidas formas geométricas minimalistas que ocupan todo el espacio, no es un espacio infinito como en el caso suprematista. En ocasiones se percibe una acumulación de formas geométricas que se aproximan a la escultura y la arquitectura.

Composición sin objeto n. 61 de la serie «Esfera cromática del círculo» 1918

German Karginov, un gran conocedor y admirador de Ródchenko, destaca acertadamente que en sus cuadros «la tercera dimensión cumple un importante papel constructor: formas rectangulares y planos que se mueven por un espacio que contribuye activamente a definir…” En estos años presentó la exposición <> Sus obras fueron una auténtica novedad, caracterizadas por el negro al que se cargó simbólicamente como una revelación de la muerte, y preparando el terreno para lo que sería el constructivismo propiamente dicho, además de terminar manifestándose como rival de los tonos  blancos de Málevich. Ródchenko multiplica los círculos, los óvalos, las elipses, y crea contrastes entre las formas circulares y las formas cuadradas, manteniendo el dominio de la técnica pictórica con la que tiende a transformar las composiciones en mecanismos, es un verdadero sistema construido. El último paso antes del nacimiento definitivo del constructivismo fue la formación, en 1919, del grupo <> en el que Ródchenko fue un miembro activo. En este grupo tomó fuerza el cubofuturismo caracterizado por la composición espacial en volúmenes complejos y poco habituales, composiciones dinámicas y la utilización del color contrastado.

Después de 1920 nace el constructivismo, una nueva corriente artística que en gran medida reemplaza la tradicional pintura de caballete por lo gráfico, la fotografía, el fotomontaje, la tipografía, el diseño y el cartelismo, técnicas en las que trabajaría Ródchenko durante los años 20 y 30 y que serán heredadas por la nueva era digital de finales de siglo evolucionando hasta nuestros días. En fin, una verdadera vanguardia. Para el constructivismo, el arte era un medio para transformar la vida, su objetivo fue moldear la vida de la nueva sociedad. Los constructivistas fueron artistas que intentaban establecer círculos prácticos con la industria, siempre en sintonía con el contexto social, político y económico de una sociedad comunista. No en vano, el constructivismo ruso puede resultar, por lo tanto, muy ajeno a la representación artística a la que estamos acostumbrados, pues responde sistemáticamente a una ideología completamente distinta, un régimen y una historia diferente pero paralela a occidente. Personalmente, los carteles publicitarios de Ródchenko son mis favoritos. Destacan por su composición de gran rigidez racionalista en la que se hace mucho énfasis en los caracteres de imprenta en los que domina la línea y el ángulo recto, pero siempre expresando un sentido del humor que resulta en un fuerte impacto visual.

Cartel para la película Kinó-glaz de Dziga Vertov, 1924

Anunci de Xumets per a Rezinotrest, 1923

«Libros», 1925

Ródchenko, en conjunto con Alekséi Gan y otros constructivistas, crearon un programa proclamando una nueva síntesis del arte y la industria. El término constructivista evoca un actividad artística abstracta que implica una distinción entre actividades que requieren un trabajo en concreto con empresas de producción y las que son más experimentales. Desde sus experimentos de manipulación de formas tridimensionales abstractas hasta su participación real en la producción industrial de objetos útiles, los constructivistas afirmaban que sus fundamentos ideológicos eran el comunismo científico construido sobre la teoría del materialismo histórico, aspirando a la construcción comunista de las estructuras materiales. Unos verdaderos ingenieros del arte. Ródchenko destaca en el círculo constructivista por la formulación de un lenguaje visual para este movimiento, constituyendo la base artística de las actividades del grupo, pero siempre compatible con los procesos industriales. 

Mucho más se podría escribir sobre este multifacético artista comunista pero termino con una reflexión bastante personal. Me atrevería a decir que el constructivismo ruso fue el sueño de la creación de una cultura de masas en una sociedad comunista, es decir, la antítesis a la industria cultural en la que nos sumergimos día tras día en nuestra sociedad. Aquí les dejo una influencia clara y concisa de Ródchenko en nuestra cultura popular del siglo XXI ¡la portada del disco de Franz Ferdinand! En el disco Franz Ferdinand  el grupo se decanta por la estética constructivista. En específico se basan en el cartel que hizo Ródchenko en 1925 en el cual utiliza el retrato de Lilya Birk, musa del artista. ¡Así que ya saben! No subestimen el arte constructivista pues sus ecos se siguen expandiendo sutilmente hasta nuestros días contagiando nuestra estética de elementos con más impacto de lo que podríamos pensar.

Dora Prin

Fuentes:

Ródtxenko, A. La construcción del futuro. 2008. Fundació Caixa Catalunya, Barcelona.

Cranio

mARTExperience te invita hasta el 22 de mayo en Montana Gallery en Barcelona a “Amore$” una exposición que te sacará alguna sonrisa mientras reivindica un reflexivo pensamiento sobre la cotidianidad de la vida social. Hablamos de un artista de divertida creatividad que aborda con un muy buen sentido del humor temas como la pobreza, la marginalización de comunidades indígenas, la idiotización de la población gracias al football, el tabaquismo, la contaminación y muchos otros temas cotidianos de un Brasil que cada vez gana más reconocimiento a escala internacional como una potencia en vías de desarrollo y una economía emergente y acaparadora. En definitiva, un país de contrastes. ¡Hablamos de Cranio! Un artista urbano brasileño que actualmente causa sensación en el mundo de las calles y de los sprays.

Directamente desde Sao Paulo, Fabio Oliveira, se lanza al mundo desde 1998 en búsqueda de la libre expresión en las calles, transformando el paisaje de ciudades tan emblemáticas como Miami, San Francisco y Londres, llegando por segunda vez a Barcelona con la intención de comunicar su mensaje a su estilo único. Sus protagonistas son los originales indios azules que personifican la imagen de las tribus amazónicas de Brazil y que recogen la esencia, la identidad y la naturaleza de un país atrapado, como cualquier otro país occidental, en la globalización, el consumismo, la corrupción y el polémico politiqueo que convierte la vida en un verdadero espectáculo de lo absurdo. Entre sus principales influencias se encuentran caricaturas internacionales, como podrían ser evidentemente los célebres Pitufos, y pintores renombrados como Salvador Dalí. Sus dibujos expresan aspectos éticos de la vida social en el país, las penas y alegrías, intereses y preocupaciones del pueblo brasileño.

Los indios amazónicos son representados siempre en situaciones divertidas y curiosas, pudiendo formar un cómic de situaciones reales vividas por personas reales en el día a día. La novedad se encuentra en sacar de contexto a sus personajes amazónicos y ubicarlos en uno completamente opuesto: el de la vida cotidiana en el mundo civilizado y desnaturalizado, ó decadente… como se prefiera llamarlo. El espectador es fácilmente atrapado por estas criaturas tan fantasiosas y es llevado a la reflexión de cuestiones sociales de la actualidad desafiando las fronteras brasileñas pues sus representaciones de cuestiones sociales son fácilmente exportados a un nivel internacional. Su estilo divertido y ligero es absorbente consiguiendo un efecto catalizador de emociones encontradas, la alegría de la diversión y lo cómico, paralelo a la decadencia del progresivo colapso de los valores en la sociedad. El resultado: la exposición placentera de la crítica banalización de conflictos y situaciones reales que hoy en día se toman a la ligera, la levedad indiferente del individuo contemporáneo.

Dora Prin

Frida Kahlo: la introspección del sufrimiento y la agonía

Se acabaron las vacaciones y mARTE regresa con una mARTista que no podía faltar en la lista. Catalogada como surrealista por el mismo André Breton, Frida Kahlo (1907-1954) es una de las artistas femeninas con más reconocimiento a escala internacional y sin lugar a duda una joya nacional. Su vida es una verdadera historia para ser contada pues Frida fue siempre atormentada por el sufrimiento y la muerte convirtiéndose en una guerrera arraigada implacablemente a la vida. De familia acomodada, padre alemán con ataques epilépticos y madre depresiva, Frida aprendió a la temprana edad de 6 años lo que es el dolor al contraer polio, etapa que marcaría su vida para siempre. Después de más de medio año obligada a permanecer en cama logró recuperarse pero la enfermedad le dejo una cojera patente. Este fue el primero de muchos  desafíos que atravesaría en su vida y así comenzó a definir su carácter rebelde con el que reivindicaba su libertad y su diferencia.

A los 18 años fue víctima de un trágico accidente de autobús que le dejaría secuelas físicas con las que tuvo que lidiar hasta su muerte: triple fractura de la columna vertebral, fractura de clavícula, fractura en la tercera y segunda costilla, fractura de pelvis, hombro dislocado, abdomen y vagina perforados, once fracturas en la pierna derecha y pie derecho dislocado. La experiencia traumática debido a la recuperación del accidente y las constantes operaciones a las que tuvo que someterse, son la principal inspiración para su arte, la expresión del sufrimiento y la agonía de una mujer distinta, encarcelada en su propio cuerpo e historia. Irónicamente Frida comentó a su novio de entonces, Alejandro, que el accidente le había quitado su virginidad.

Autorretrato con vestido de terciopelo, 1926

Postrada en cama por largas temporadas, comenzó a pintar con un espejo sobre su lecho en el cual se observaba como víctima de su propio cuerpo, de sus lesiones y de la enfermedad. Fue una época de confrontación constante con su propia identidad, pues la única aproximación humana que tuvo fue con ella misma. Así su obra se conforma principalmente por autorretratos, siempre fantasiosos pero honestos con el estado interior de una profunda autoconciencia de su realidad: pesadillas, sufrimiento, heridas y soledad. La fragilidad de su vida contrasta con su fortaleza y su determinación por mantenerse con vida, fiel a su arte e ideología. Durante su convalecencia, Frida se sumergió en el imaginario renacentista y en 1926 termina su primera pintura oficial Autorretrato con vestido de terciopelo en el cual se aprecia la influencia del estilo de grandes artistas italianos, como Parmigianino o Botticelli. El cuello alargado recuerda al vanguardista Modigliani. El cuadro fue dedicado a Alejandro, quien poco después del accidente terminó con la relación. Algunas de sus obras muestran ecos de grandes influencias filosóficas como el pensamiento de Schopenhauer, a quien descubrió gracias a la influencia de su padre, o Freud quien inspiró una de sus obras maestras Moses  en 1945.

Hospital Henry Ford, 1932

Moses, 1945

Hija de la revolución mexicana, Frida desde muy joven se posicionó a favor del partido comunista y su idealismo revolucionario determinarían gran parte de su destino. A los 20 años conoció al pintor Diego Rivera, 21 años mayor que ella, gracias a un círculo de jóvenes artistas comprometidos con el partido comunista. La polémica relación, que duraría casi tres décadas, se caracterizaría por el amor, la amistad, la traición, el odio y la agonía. Su matrimonio fue tomado con escepticismo desde el inicio, solo su padre acudió a la ceremonia. Al comienzo, a pesar de parecer una pareja sin sintonía, su relación pareció encontrar una armonía especial entre el arte y la política. Sin embargo, una serie de abortos debido a la infertilidad de la artista, secuela de su accidente, y a las constantes infidelidades mutuas, indujeron a la relación a la decadencia más tortuosa y turbulenta. La propia Frida alegó alguna vez que Diego había sido su ‘segundo accidente’. Lo único que los mantenía unidos era la pasión por el arte y su devoción por el comunismo. Rivera admiraba el arte de Frida y lo manifestaba con declaraciones halagadoras como “Ninguna mujer ha plasmado tanta angustia poética sobre el lienzo como lo ha hecho Frida… sus obras maestras son sin precedentes en la historia del arte, pinturas que glorifican las cualidades femeninas de resistencia, verdad, realidad, crueldad y sufrimiento.”

Fulang Chang y yo, 1937

La Casa Azul, el emblemático hogar de la familia Kahlo, fue el epicentro de grandes encuentros intelectuales y políticos. Entre sus huéspedes se encuentra Leon Trotsky, quien encontró refugio en el hogar de Frida en sus dos años de exilio de la Unión Soviética. Frida y Trotsky mantuvieron un romance discreto durante este tiempo, basado en la admiración y el respeto. Esta ayuda que Diego y Frida ofrecieron a Trotsky les provocaría problemas legales años más tarde. Otro de los célebres visitantes de la Casa Azul fue André Breton quien no tardó en reconocer el talento de la artista, fue cautivado y fascinado por su obra. Enseguida intentó incluirla dentro del movimiento surrealista cuando dijo “mi sorpresa fue desenfrenada cuando descubrí, en mi llegada a México, que su obra había florecido en sus últimas pinturas hacia el surrealismo puro, a pesar de no tener conocimiento previo de ninguna de las ideas que motivaban las actividades de mi círculo.”  La invitó a París para una exposición individual, en donde mantuvo contacto con otros grandes exponentes vanguardistas, tal como Marcel Duchamp, Max Ernst, Kandinsky y Picasso. Este viaje ayudaría a Frida a ganar terreno con una proyección internacional destacable, consiguiendo una independencia artística y una emancipación simbólica de su relación con Diego Rivera. Sin embargo, la experiencia de Frida con los surrealistas no fue del todo agradable y decidió alejar su arte y su persona lo más posible de ellos. Frida escribió en 1938 a Nickolas Muray “Marcel Duchamp, es el único que tiene los pies sobre la tierra entre esta bola de lunáticos hijos de la chingada de los surrealistas… los otros me hacen vomitar… son tan pinche intelectuales y podridos que ya no los soporto más.”

Autorretrato con el cabello corto, 1940

La segunda mitad de la década de los 30 fue fructífera en cuanto a su producción artística. Su carrera artística iba en auge, pero su estado físico y emocional se deterioraba. A su regreso de París, después de comprobar las constantes infidelidades de Diego con su hermana Cristina, decidieron por mutuo acuerdo tramitar el divorcio. Frida cayó en una profunda depresión, cortó su hermoso cabello marrón oscuro y comenzó una etapa de alcohólica oscuridad. Frida dijo “intenté ahogar mis penas con el alcohol, pero las condenadas aprendieron a nadar.” Sin embargo, un año después, la pareja volvió a contraer matrimonio bajo dos condiciones previamente acordadas: Frida sería financieramente independiente y no mantendrían relaciones sexuales. La década de los 40 se caracterizo por un reconocimiento y éxito nacional de una Frida ya consolidada como artista a gran escala. Comenzó como profesora de pintura y escultura en la escuela ‘La Esmeralda’ en donde causo gran impresión pues su personalidad tan especial y su manera de vivir fueron más influyentes para sus estudiantes que su pintura misma.

La columna rota, 1944

Para entonces Frida ya casi no podía caminar o levantarse y a partir de 1944 fue nuevamente obligada a mantener reposo constante, del cual ya no se repondría. Años mas tarde su pie derecho fue amputado y su hogar paso de ser la hermosa Casa Azul al hospital en el cual paso sus últimos años. “Pies para que los quiero, si tengo alas para volar”. Un año antes de su muerte se celebró la primera exposición individual de Frida en México en una conocida Galería de Arte Contemporáneo de la ciudad. Debido a su mal estado físico, se tuvo que poner una cama en la galería para que pudiera acudir al evento inaugural. Su llegada en ambulancia fue espectacular y se ha convertido en una escena mítica del arte. Rodeada de prensa y amigos que la felicitaban, Frida pudo vivir el verdadero reconocimiento de su vida y de su arte; el éxito rotundo había llegado a su vida, mezcla de teatro, sufrimiento y talento. Murió en la Casa Azul el 13 de julio de 1954 poco después de cumplir 47 años. En la noche de su muerte Frida dio a Diego un anillo de plata para conmemorar su aniversario que se celebraría un mes después. Diego preguntó por qué le daba el regalo con tanta antelación, Frida contestó “porque siento que voy a dejarte muy pronto.”

El talento de la artista mexicana es indiscutible. Su estilo tan característico, mezcla entre surrealismo y realismo mágico con rasgos populares de la tradición mexicana la hacen única y auténtica. Su vida poco convencional se plasma en cada una de sus obras pues para entender el arte de Frida Kahlo es imprescindible conocer su historia. Se legado pictórico es uno de los más cotizados en el mundo artístico y seguramente su recuerdo estará presente por siempre.

Dora Prin

El venado herido, 1946

Fuentes:

Barrus, C. Frida Kahlo ‘I Paint my Reality’. 2008, Thames & Hudson Ltd, London.

Snowboard & Art

Ben Tour, colaboración con Olive Snowboards

Que lindo el invierno. Esa época del año en que todo se cubre de blanco, los osos hibernan y se respira el aire helado que promete un futuro renacer que descansa escondido bajo la hermosa armonía invernal. Y luego… ¡salen los free riders a surfear las montañas nevadas! ¡Es momento de acción, snowboard y adrenalina, pero también, de mucho arte! A motivo de una inolvidable escapada alpina mARTExperience dedica esta entrada a mis amigos de Zebra Snowboard y a los artistas que dibujan y diseñan las hermosas tablas inseparables de estos intrépidos riders de montañas blancas. Todos los inviernos las estaciones de esquí se llenan de colores con hermosos diseños y es que en verdad algunas de estas tablas son auténticas obras de arte.

Ben Tour, colaboración con Olive Snowboards, 2015

Varios artistas han colaborado con influyentes marcas de snowboard dando una imagen única al deporte. Entre los artistas que han captado mi atención se encuentra el canadiense Ben Tour que ha colaborado con Magine Snowboards, Olive Snowboards y Burton Snowboards para diseñar hermosas acuarelas con tinta que después serán plasmadas sobre las tablas. Sus dibujos, ya sea de animales salvajes en llamativos colores o de retratos que canalizan el sentido oscuro del  humanismo, distorsionan la forma creando una mezcla entre fantasía y realidad. La personalidad de estas tablas son perfectas para aquellos espontáneos y apasionados del deporte que, al igual que las líneas del artista, snowbordean a un ritmo frenético de expresividad catártica.

John Vogl, colaboración con Never Summer, 2013

Para los snowboarders amantes de la libertad del fuera de pista John Vogl, en colaboración con Never Summer Industries, ha diseñado desde Denver una hermosa gráfica perfecta para ir mano a mano con la naturaleza más profunda. Sus dibujos de animales son de un realismo casi mágico que captura la esencia de la naturaleza más pura adaptándose fielmente al estilo de vida de montaña en Colorado. https://www.youtube.com/watch?v=uqvqIybCqyY

Los dibujos de Ken Marshall, un diseñador gráfico que trabaja para K2, personalizan unas tablas con diseños de divertidos animales psicodélicos que reflejan la diversidad y los misterios de un universo paralelo atrapado entre la naturaleza y el snowboard. El estilo de estos diseños parece una psicodélica modernización del Art déco del periodo de entre guerras, creando tablas de dibujos divertidos que se ajustan a los riders más creativos en busqueda de diversión en el snowpark y en el free style. Sea cual sea tu personalidad sobre la tabla, la cantidad de opciones es infinita así que este invierno ¡a divertirse con snowboard y arte!  https://www.youtube.com/watch?v=RY85tVH5mZQ

Diseños de Ken Marshall para K2, 2014

 Dora Prin

Turner: el paisaje de la luz y lo sublime

Puesta de sol sobre un lago, 1840

Comienza el mes con un mARTista inglés que en pleno siglo XIX desafió la tradición artística con unos paisajes que hasta la fecha siguen sorprendiendo a miles de apasionados del arte. Maestro y experto de la teoría de los colores J. M. W. Turner (1775-1851) fue y será por siempre el artista romántico de la luz. Sus obras han generado múltiples estudios y no es para menos pues indiscutiblemente elevan a la mente y al entendimiento hacia una dimensión metafísica. Es uno de los auténticos exponentes del arte sublime junto a su contemporáneo David Friedrich.

Incendio de la cámara de los Lores y de los Comunes el 16 de Octubre de 1834, 1835

Congénito del arte Turner comienza a pintar desde muy temprana edad y para 1802 se convierte en académico titular de la Royal Academy en Londres. Sus primeras obras son de carácter más figurativo, sobre todo acuarelas y óleos, siempre paisajes en los que pretende representar el espectáculo de la naturaleza en todos sus sentidos. Con sus obras Turner consigue elevar al paisaje en la rigurosa jerarquía de géneros cuando los temas históricos y alegóricos reinaban desde el renacimiento, pero no solo eso, también puede ser considerado el precursor del impresionismo y el artista que abriría las puertas a la abstracción del siglo siguiente. Todo esto en una época en la que el figuritivismo lo era todo, de hecho algunos críticos del siglo XX, como es el caso del crítico y pintor Barnett Newman, intentarán establecer un parentesco entre su arte y los expresionistas abstractos americanos.

Castillo de Norham al amanecer, 1845

Se conoce la simpática anécdota de la pincelada roja. Cuando John Constable expuso La inauguración del puente de Waterloo en la Royal Academy junto un paisaje marinero de Turner, el paisaje de Turner parecía apagado junto a los colores más oscuros y la línea más definida de Constable, entonces Turner decidió hacer una pincelada roja en medio del cuadro, creando un maravilloso efecto de armonía contrastante y eclipsando por completo la obra de Constable. Esta anécdota demuestra el absoluto dominio que Turner tenía sobre los colores, sus contrastes y efectos mucho antes que los impresionistas comenzaran a pintar. Un paisaje de Turner es inmediatamente identificable debido a su estilo único que trasciende en la historia. Sus paisajes de madurez expresan la idea de pintar la luz en si misma, independientemente de los objetos sobre los cuales se proyecta. En efecto, cuando vemos una obra suya sabemos que el paisaje esta ahí pero sobre todo vemos la luz que la envuelve, fundiendo la tierra, el mar, las nubes y el sol. ¡Un efecto óptico único! La luz de Turner se desplaza libremente por la tierra y la absorbe, es radiante y fuerte, es una fuerza omnipresente que destruye el paisaje pero crea uno nuevo al instante. La ambición de Turner es visionaria e innovadora.  Aire, sol, sombra, tormenta, nubes, el viento, el podía representar los fenómenos de la naturaleza más inestables e insensibles al construir, cuidadosamente y poco a poco con pinceladas cargadas de luz, la sustancia de lo insustancial.

Tempestad de nieve, 1842

Lo sublime es un concepto esencial ya desde el siglo XVIII, objeto de estudio primero en Inglaterra y después en Alemania con Kant. Lo sublime se opone a la idea de belleza, pues es sobre todo aquello que logra producir las impresiones más fuertes y violentas que el espíritu es capaz de sentir, rompiendo con la armonía generada por lo bello. Debido a esto lo sublime crea atracción y repulsión al mismo tiempo, atrae pero causa repudia. La tempestad, la grandeza de las montañas, la impresión de lo inmenso, estas son una de las manifestaciones más emblemáticas de lo sublime, casi siempre refiriéndose a las fuerzas más feroces de la naturaleza, pues estas pertenecen a ese carácter estremecedor propio de lo sublime. Las pinturas de Turner de tempestades, incendios, mares furiosos e incluso de la nada, lo demuestran. En su contemplación el que contempla desaparece en lo sublime de la obra pues esta lo sobrepasa. Para terminar les dejo el link del trailer de la película que hace poco se estrenó en la cual se retrata la vida de los últimos años del artista. 

https://www.youtube.com/watch?v=Tn4zSR_5ioI 

Dora Prin               

               Fuentes:

• Riout, D. Turner: Romanticisme. 2006. Edicions Polígrafa, Barcelona.
• Wilton, A. Turner and the Sublime. 1980. British Museum Publications, London.

«Pieles» de Félix Roca

Comienza la semana con un ilustrador barcelonés que presenta su exposición «Pieles» en el inigualable Mitte Barcelona, un pulmón artístico en pleno centro de la ciudad que, como su nombre en alemán indica, tiene la función de centro interactivo y multidisciplinario, además de un moderno espacio de cafetería que combina el diseño y el arte. ¡El lugar perfecto para tomar un café o para disfrutar del aperitivo con los colegas! Félix Roca, un verdadero ilustrador de la old-school, comienza el año con esta serie que defiende la estética por sobre todas las cosas con el objetivo de crear ilustraciones cargadas de un gran impacto visual. Mezcla entre moda y arte, ilustración y diseño, sus bocetos son efectivamente, hermosos dibujos listos para ser confeccionados y puestos en escena en las pasarelas de la más alta categoría.

mARTExperience quedo más que satisfecho en esta entretenida y concurrida velada la semana pasada, con un toque moderno y juvenil. Pero ¿qué es lo que tiene «Pieles» que la convierte en una colección única? Como su descripción lo indica, el proyecto nace con la intención de perder el respeto por la obra, uniendo la creatividad de varios artistas para conseguir una obra única, un proyecto en común. El proyecto original era exclusivo de Roca, quien se dedicó a crear hermosos dibujos de chicas arrancándose la piel, dejando en descubierto vestidos que revelan distintas personalidades. Esta idea ya por si misma suena interesante al presentar al vestido, es decir la moda, como la verdadera piel de las chicas. No conforme con esto, Roca decide dejar sus ilustraciones a distintos artistas para que ellos mismos terminaran, cambiaran, destruyeran o completaran sus dibujos. Así pues, a partir de las ilustraciones originales del artista, otros nueve artistas construyen nuevas obras utilizando distintas técnicas. El resultado final es completamente heterogéneo y original, desde el atrevido collage de Charly hasta la oscura semi abstracción feísta de David Rosel o la sutil ilustración de Lara Costafreda, hay para todos los gustos y sabores. La novedad es la desaparición de la obra de arte original, suplida por nuevas obras de arte que nacen y se transforman a partir de ella.

Aquí dejo algunas imágenes de las ilustraciones originales. Si te gusta la ilustración, la moda y el arte, esta exposición es para ti. Estará expuesta en Mitte hasta el 6 de febrero. Si quieres ver el resultado final de esta interesante colaboración de artistas pásate por un cafe mañanero mientras disfrutas de esta exposición tan especial.

Dora Prin

La PeraLimonera: Viaje al centro de la Pera

  

mARTExperience estuvo presente en la inauguración de la exposición de la joven ilustradora Elena de Marcos, mejor conocida como La PeraLimonera. El evento tuvo lugar en Nidok Coworking, un moderno centro de trabajo cooperativo situado al sur del barrio de Gràcia. La exposición estuvo acompañada por el ritmo de un DJ y una muy merecida cerveza fría para terminar bien la semana.

La PeraLimonera ha dejado su marca en las pintorescas calles de Barcelona desde hace años pero ahora, en una explosión de creatividad sin reglas, se apoya de los rotuladores para crear esta tierna y cariñosa serie titulada ‘Viaje al centro de la Pera’. Su estilo se caracteriza por una delineación ondulada creando una sensación de continuidad y armonía complementada por tonos rosados y púrpuras. Resultado: dulces ilustraciones que transmiten una placentera cadencia de alegría y serenidad.

El viaje al centro de la Pera es un verdadero viaje al mundo subjetivo y creativo de la artista. Es una aventura por este fantástico universo y nuestra guía es la hermosa y simpática protagonista rodeada siempre de una naturaleza acogedora y de un firmamento lleno de estrellas y constelaciones,  acompañada por sus tiernas mascotas, una especie de dulces conejitos que sugieren cariño y delicadeza. El carácter infantil de sus dibujos los dota de una apariencia de inocencia e ingenuidad que estimula una placentera sensación de simplicidad. Al ver estos dibujos no puedo evitar recordar a los célebres ‘Happy Tree Friends’ pero cambiando las navajas y la sangre por tatuajes y perforaciones introduciendo sutilmente elementos punk en lo infantil. ¡Así que ya lo saben! Si les da curiosidad conocer más sobre La PeraLimonera pásense por Nidock este mes de enero y disfruten de estos encantadores dibujos, pues no importa la edad que tengas, ¡seguramente te gustarán!   

Dora Prin

Drap-Art’14: Arte con conciencia

En un mundo dominado por el frenético ritmo de la vida contemporánea, que genera anualmente millones de toneladas de desechos, eventos como este deberían de celebrarse y fomentarse más a menudo, pero sobre todo debería de revaluarse esta revolucionaria forma de hacer arte. Desde 1995, Drap Art, con sede en Barcelona, se dedica a difundir este especial método artístico de reciclado  mediante festivales, exposiciones, mercados y talleres. La popularidad que ha adquirido con los años es sorprendente y todo gracias a las personas que trabajan detrás del proyecto y, principalmente, a los artistas capaces de tan extraordinarias creaciones con lo que los seres comunes denominaríamos basura. Este es el origen del Festival Internacional de Reciclaje Artístico de Catalunya «Drap-Art’14» que el primer fin de semana del año celebró su décima edición, acogiendo y deleitando a más de 10.000 espectadores.

El mensaje es claro, concienciar al público, no solamente sobre aspectos medio ambientales, sino también sobre implicaciones sociales, culturales y políticas. Hoy en día la cultura del reciclaje se puede asomar a muchos aspectos y actitudes de nuestra vida cotidiana, comenzando por nuestros hábitos consumistas y alimenticios. La mayoría de los artistas seleccionados para participar en esta exposición tenían clara esta concepción y sus obras definitivamente permiten una reflexión que va más allá del hecho de que lo que ahora asombra a nuestra mirada ayer no era más que basura. mARTE es partidario de un arte que mediante un discurso creativo, preciso y conciso realice una crítica destructiva y constructiva sobre el mundo, nuestras inquietudes y nuestro comportamiento.  Dicho esto, desarrollo una reseña sobre los tres artistas que más me interesaron gracias a su seductiva invitación a la reflexión.

Pamela Anderson 3, Jorge Castro

El artista belga Jorge Castro Gómez expuso  tres obras de las series ‘Plastic Generation’ y ‘Plastik Toyz’. Como el nombre lo indica, el material utilizado es plástico de distintas formas y de colores brillantes para crear unos llamativos collages que retoman la tan característica estética Pop a partir de fotografías ya existentes. Sin lugar a duda la novedad de Castro es su técnica de gran minuciosidad acertada.  De la serie ‘Plastik Toyz’ se exhibió el collage hecho a base de tapones de plástico que retrata a Pamela Anderson. En esta serie el artista opta por retratos femeninos de celebridades voluptuosas y sensuales, motivo que pone en la mira aspectos como la cirugía plástica y la artificiosidad del imaginario de la estética femenina en las sociedades contemporáneas.

AK 47 (made in France), Jorge Castro

De la serie ‘Plastic Generation’ se expusieron dos esculturas que moldean el fusil oficial de la Unión Soviética durante la segunda guerra mundial. ‘Plastic Generation’ se caracteriza por una serie de esculturas hechas a base de tapones de plástico enganchados por bridas, tomando la forma de armamento bélico, como pistolas, tanques y misiles, inevitablemente adquiriendo la apariencia de juguete infantil. También se expuso un retrato collage  titulado «Slava Ukraini» construido a base de soldaditos de plástico creando un efecto único gracias al relieve y la tridimensionalidad del resultado final.  La alegoría bélica que realiza Castro a base de juguetes y basura de plástico es una perspicaz ridiculización que banaliza uno de los comportamientos humanos más atroces.

Siguiendo la misma tendencia ridiculizadora,  Lopezsister’s nos transporta al mundo del cómic con su serie ‘Super-villano vudú’ inspirado en la historieta de Superlópez, creada por el ilustrador español <Jan>. Lopezsister’s utiliza el contexto realista del cómic para personificar unos simpáticos muñequitos de cartón y papel que adoptan la forma de los villanos del cómic, pero con rostros de políticos, economistas y empresarios contemporáneos, los genios del capitalismo salvaje. Es una denuncia social que intenta poner en evidencia a los hombres más poderosos del planeta reivindicándolos como los super-villanos. El vínculo entre cómic y los personajes reales es simbólico, en un gesto paródico pero de gran carga social que permite varios niveles de interpretación. Entre los personajes seleccionados nos encontramos al hombre más rico del mundo, el empresario Carlos Slim, y al ex propietario y ex presidente del banco Santander, Emilio Botín.

‘Strawberries’ One third, Klaus Pichler

Por último, era imposible realizar una reseña del Drap-Art’14 sin mencionar al fotógrafo estrella Klaus Pichler. Este fotógrafo austriaco es indiscutiblemente una máquina avanzada de la captura de imágenes pues gracias a su prodigiosa imaginación se ha atrevido a fotografiar temas insólitos y arriesgados. «One third» es un proyecto ambicioso que retrata una naturaleza muerta sin precedentes. Es literalmente una mezcla entre lo bello y lo putrefacto resultando en una elegante y sofisticada serie de fotografías de comida podrida. «One third» nace con la intención de denunciar el desperdicio alimenticio en los países industrializados, conectando el desperdicio individual de comida con la producción global de alimentos. Cada fotografía tiene una etiqueta indicando el lugar de producción, el método de cultivo, las distancias de transporte y el precio del producto. El efecto que provocan estas fotografías es psicológicamente impresionante pues la belleza de las imágenes obstaculiza a nuestro razonamiento para entender que lo que vemos no es más que comida podrida. Pichler en definitiva eleva la temática alimenticia a otro nivel. ¿Quién dijo que con la comida (podrida) no se puede hacer arte?

Dora Prin

XVI Salón internacional – Galería Esart

Marga Pamias, Marea Baja

mARTExperience asistió a la inauguración de la 1ª edición del XVI Salón Internacional organizado cada año por la galería Esart en el centro de Barcelona. El objetivo es promocionar a artistas de distintas nacionalidades que no gozan de fama internacional pero que tienen el talento como para ser merecedores de un espacio en el cual puedan exhibir sus obras para así poder ganarse un puesto en el antagonístico mundo del arte. El resultado de la exposición es una atmósfera heterogénea pero conciliadora de distintos estilos conviviendo en la misma sala. La inauguración se caracterizó por hermosa poesía evocadora de arte, la melodía armoniosa de una guitarra clásica y el habitual cóctel inaugural ¡la ocasión perfecta par compartir en una tarde de sábado invernal!

Jesús Cabañas, Sea sequence

Entre los artistas seleccionados de esta primera edición mARTE reconoce la abstracción paisajista de Marga Pamias, que retrata una Barcelona mediterránea única con sus grandes pinceladas al óleo. Con la misma técnica pero con un estilo mucho más minimalista, Jesús Cabañas presentó unas maravillosas obras cuyo efecto óptico evoca a los principales elementos de la naturaleza mediante la contraposición de colores sólidos y empastes contrastantes. Las obras de Júlia Fernández son una interesante mezcla entre surrealismo y arte metafísico de psicología sugerente. Sus dibujos desconcertantes se caracterizan por la ambigüedad del paisaje onírico de la propia artista.

Júlia Fernández, Horizonte lejano

La 1ª edición se exhibirá hasta el 15 de enero y la 2ª edición tendrá lugar del 17 al 29 del mismo mes. El 31 será la clausura y la entrega de distinciones a los artistas ganadores de este XVI Salón internacional. Todavía hay tiempo así que hagan un espacio en su agenda cultural y echen un vistazo a esta exposición.

By Dora Prin

Egon Schiele: el desnudo de la destrucción

Mujer sentada con medias violetas, 1917

¡mARTExperience comienza el año con un mARTista excepcional! Ya que es precisamente una obra suya la que da imagen al proyecto, parece más que apropiado elegir a Egon Schiele (1890-1918) como el primer artista del mes. Personalmente puedo decir que es uno de mis artistas favoritos y recuerdo el día en que vi por primera vez una de sus pinturas. No se puede negar la extrañeza que provocan sus obras pues están envueltas en una energía que solamente alguien como Egon Schiele puede tener.  Su obra se puede catalogar como sui generis pues su manera de representación humana, desde ángulos inusuales y posiciones extrañas, fue revolucionaria en la historia del arte occidental. Conocido internacionalmente por sus desnudos de gran intensidad y su delineación tan particular, que lo convierten en inconfundible, el pintor vienés rechazaba con ímpetu la idealizada belleza femenina que dominaba la tradición artística hasta su época. Estaba convencido que el deseo de mirar, el morbo, estaba regido por una interconexión entre la repulsión y la seducción, y sus bocetos muestran esta concepción de principio a fin; Schiele desnuda a sus modelos agrediendo salvajemente su privacidad. Sus autorretratos y sus desnudos confrontan al espectador con su propia sexualidad y no es precisamente una experiencia placentera, pues sus obras están cargadas de la evidente tensión sexual propia del artista además de expresar sin piedad el sufrimiento humano. La temática de la obra de Schiele se representa principalmente a través de los dos aspectos del mundo que más le interesaban, las mujeres y él mismo.

Mujer de negro, 1911

Hoy en día, Schiele es reconocido como una de las figuras más destacables del expresionismo y del arte moderno. Sin embargo, hace casi un siglo, después de su muerte a la temprana edad de 28 años, su arte era tan incomprendido y malinterpretado que rápidamente cayó en el olvido al ser tratado como un artista degenerado. No fue hasta 1960 que su papel  artístico fue revaluado en una exhibición en Estados Unidos en la que causo gran impacto y tres años más tarde, otra exposición en su madre patria, Austria, le abriría nuevamente las puertas de Europa. La exposición decisiva que reivindicaría el papel de Egon Schiele en la historia del arte fue un año después en Londres, en la cual Oskar Kokoschka lo calificaría como pornográfico. Sin embargo, los tiempos habían cambiado y el público espectador de los años 60’s ya estaba preparado para dejarse llevar por las intensas poses convulsivas de los desnudos del artista.

Desnudo de chica parada con cabello negro, 1910

Una de sus grandes influencias fue el simbolista austriaco, Gustave Klimt, con quien mantuvo una estrecha relación de amistad y quien resulto determinante para su trayectoria artística. En su arte de madurez, ya con un estilo propio completamente definido, Schiele se decantó sin titubeos por el expresionismo, al considerarlo el estilo artístico más elevado, pues consigue la síntesis perfecta entre las apologías modernas por la abstracción y la dominante tradición renacentista. El expresionismo, movimiento pionero de las vanguardias históricas, consigue una recreación de la realidad dominada por la emoción y la sensibilidad subjetiva del artista. La espontaneidad en su arte era una de sus particularidades, pues a diferencia de la mayoría de los artistas, Schiele no hacía estudios preliminares para sus obras, sus bocetos de acuarela eran el resultado final, la obra de arte concluida. El aspecto inacabado y su línea rasposa hacen de su estilo abrupto y agresivo. Schiele evitaba el juego de luz y sombra para moldear sus figuras y se inclina principalmente por una gama de naranjas apagados para sus fondos y cuerpos, a los que ilumina con manchas rojas y tonalidades amarillentas, que aparentan enfermedad. En ocasiones utiliza verdes y azules, oscuros y apagados, para crear contrastes. El uso del color es expresivo para el efecto, no para la descripción, esto es esencial en el expresionismo de Schiele.

Gerti, desnudo de mujer sentada con el brazo derecho levantado, 1910

Para juzgar la singularidad artística de Schiele hay que entender que el nacimiento de su carrera como artista coincidió con el nacimiento del psicoanálisis freudiano, así pues, las preocupaciones con la sexualidad y la obsesión del ser en Schiele, se reflejan paralelamente en esas tratadas por el psicoanálisis. Freud aseguraba, por ejemplo, que el descubrimiento del ser se consigue mediante experiencias eróticas. Gertrude, la hermana pequeña de Schiele, fue una verdadera fuente de inspiración para el artista, era su musa, su objeto artístico que se reveló en una especie de fantasía incestuosa, con quien aparentemente mantuvo relaciones ilícitas. Gerti, con su pelo rojo, piel blanca y pecosa, ojos verdes y cuerpo esbelto, fue el prototipo de todas las modelos posteriores de Schiele. 

Como ocurre repetidamente en la historia del arte, la relación modelo/artista es uno de los temas más inquietantes, y el caso de Egon Schiele no es la excepción. A diferencia de su maestro Klimt, Schiele buscaba a sus modelos en las calles, muchas veces prostitutas, le fascinaban las mujeres de apariencia ambigua entre mujer y niña, de cuerpos delgados y demacrados. En un mundo de industralización emergente, su modelos de cuerpos esqueléticos, cuyas poses reflejan tensión, representan la pobreza del proletariado, mientras que la voluptuosidad representaría la ostentación y las comodidades de la vida burguesa. Las modelos desnudas de Schiele atestiguan la poca conciencia del cuerpo con una actitud desinteresada por la privacidad y la intimidad. Schiele despoja a sus modelos de cualquier tipo de ornamentación y se enfoca solamente en los cuerpos desnudos, evadiendo cualquier tipo de objeto que invite a la distracción para dar un énfasis contundente a los genitales de sus modelos. Las figuras se dibujan en espacios indeterminados, sin ningún tipo de soporte, no hay sillas, no hay camas o sofás. Sólo se presentan los cuerpos en posiciones provocativas que intuyen su ofrecimiento, pero expresan una tensión y una contracción extrema en gestos que reflejan angustia. Sus desnudos femeninos son puramente la proyección del sentimiento sexual masculino, son dolorosamente humanas, tratadas y retratadas para satisfacer al hombre.

Desnudo femenino sentado con manta amarilla

El desnudo de la mujer sentada con manta amarilla es, en mi opinión, uno de los dibujos más bellos de Schiele, pues no resulta tan acometedor o tan sexualmente explícito como la mayoría de sus obras. El contenido emocional que envuelve este dibujo es mucho más potente que la desnudez de la modelo. La mujer esta parcialmente desnuda con la cabeza baja, sentada con las piernas abiertas, pero la pelvis se cubre con el gesto de las manos y los pies encontrados y tapados con una manta amarilla medio transparente. El espacio es indeterminado pero la pose invita a pensar que se encuentra sentada en el suelo. La posición insinúa una inevitable vergüenza, tal vez una miseria de desgarradora tristeza. Sea como sea, es una pasión decadente provocada por una sexualidad involuntariamente expuesta.

Desnudo femenino, 1910

La relación de Egon Schiele con la sociedad fue turbulenta, él mismo se declaró como un alma de existencia mártir. Su fascinación por la muerte y su convencimiento de que la existencia humana no era más que angustia y sufrimiento lo convirtieron en un individuo aislado e incomprendido. En Abril de 1912 fue arrestado y mantenido en prisión por 24 días, acusado por inmoralidad y seducción de una menor de edad. Durante el juicio, uno de sus dibujos fue quemado por el juez en un gesto  simbólico de condena de su arte. Su práctica artística se reduce a unos escasos diez años, sin embargo, su obra completa se compone por más de 300 dibujos y bocetos. Egon Schiele en definitiva es uno de los enigmas del arte moderno, un artista adelantado a su tiempo que tuvo que esperar décadas para su valoración y apreciación artística.

Dora Prin

                Fuentes:

• Wilson, S. Egon Schiele. 1980. Phidon Press. London.
• Selsdon, E., Zwingerberger, Z. Egon Schiele. Parkston Press International. USA. Obtenido de http://www.books.google.es